Comment aborder la composition de manière créative

La composition en photographie est la compétence la plus précieuse que nous puissions acquérir. Et c'est une compétence que j'ai évoquée dans mon article précédent Comment développer un œil photographique et plus en détail dans Comment prendre de meilleures photos en utilisant un langage visuel commun. Mais la question de la manière d’aborder la composition est souvent mal comprise. Sur les forums et même dans les compétitions de clubs photo, j’ai vu et entendu beaucoup de gens demander que le placement des éléments adhère strictement à une règle ou à une autre. Si les règles de composition sont un ajout utile à l’arsenal, elles ne sont pas destinées à être contraignantes, et la maxime trop galvaudée « Il faut comprendre les règles pour pouvoir les enfreindre » est tout simplement absurde (pour utiliser le terme technique).

Dans cet article, je vais tenter de démystifier ce qui peut apparaître comme des règles lourdes et inflexibles et de libérer un peu d'espace pour le photographe !

Pour le contexte, il existe un excellent article expliquant les règles de composition telles qu'elles s'appliquent à la peinture, à Règles d'or de la composition dans l'artLes peintres ont bien sûr plus de liberté de placement que les photographes de paysage, mais ne vous laissez pas décourager, il y a beaucoup de sagesse à découvrir sur le sujet de la composition en étudiant les artistes classiques.

La composition est subjective

La première chose à dire est que la composition est extrêmement subjective. La seule véritable mesure du succès d'une photographie est son effet sur le spectateur. Autrement dit, si le sujet est ennuyeux, aucune excellence de composition ne le rendra intéressant, sauf académiquement pour les autres photographes. La composition ne se fait pas en suivant servilement des règles !

Pendant quelques paragraphes, ignorons les règles, la règle des tiers, le nombre d'or, les lignes directrices, etc. et revenons aux premiers principes.

Placer le sujet

En tant que photographe débutant, le premier réflexe est de placer le sujet au centre du cadre. Et pour certaines photographies, cela fonctionnera, mais pour beaucoup d'autres, ce n'est pas suffisant. Les photographies avec le sujet au centre ont tendance à être des photographies de choses/personnes plutôt que de choses/personnes. C'est pourquoi on les trouve si souvent dans des catalogues de produits où il n'est pas nécessaire de raconter une histoire. Mais sans identifier les éléments de soutien, c'est-à-dire les choses qui mettront en valeur ou en diront plus sur le sujet, il n'y a pas d'autre endroit où aller que le centre.

Cette photo montre un éperon rocheux au loin, qui a été horriblement sur-photographié sur la plage noire en Islande. Je voulais créer quelque chose de différent et je suis donc sorti à des températures négatives à l'aube pour capturer l'image dans son contexte. J'ai eu de la chance avec le lever du soleil qui équilibre les falaises et ajoute un peu de lumière réfléchie à l'avant pour l'intérêt du premier plan. Je me suis également senti chanceux dans la mesure où je n'étais pas conscient des dangers du lieu. Un photographe séjournant dans le même hôtel est tombé environ une heure plus tard, a glissé et s'est cassé la hanche à quelques mètres sur la plage.

Trouver des éléments de soutien

La première chose à faire lorsque l'on cherche une composition, qu'il s'agisse d'un paysage ou d'une nature morte, est de rechercher des éléments qui soutiennent activement le sujet. Rien de plus. Ces éléments peuvent soutenir le sujet de plusieurs manières, par exemple en montrant le contexte du sujet, en le cadrant ou en le pointant du doigt. Je recommanderais de prendre plusieurs clichés avec différents points de vue et de les comparer soigneusement et objectivement au moment de les traiter.

Aborder la composition de cette manière vous permet de choisir les « règles » les plus appropriées. En effet, les règles ne sont que des éléments, à sélectionner, à examiner et éventuellement à abandonner au profit d'une meilleure idée.

Éliminer les distractions

La deuxième chose à faire est de vous poser les questions « Mon cadre est-il trop encombré ? » et « Y a-t-il quelque chose dans le cadre qui ne contribue pas au sujet ? » Expérimentez différentes compositions.

C'est particulièrement important dans la photographie éditoriale et de produits, où la distraction est un anathème. Vous devez absolument laisser le spectateur sans aucun doute quant à ce qu'il achète !

Un petit avertissement : méfiez-vous du syndrome du « bébé moche ». J'ai perdu le compte du nombre de fois où j'ai été ravie par une image, pour ensuite me rendre compte qu'elle s'effondrait après une inspection minutieuse !

Créer des calques

Les calques sont un moyen efficace d'ajouter de l'intérêt à une photographie. Les calques de paysage, éditoriaux ou même abstraits aident vraiment le spectateur à voir ce qui est important dans l'image. Dans la photographie de paysage, ces calques sont généralement le premier plan, le milieu et l'arrière-plan.

Il existe aujourd'hui une tendance à placer une personne au milieu des photographies de paysage, et quelle différence cela peut faire sur certaines images ! Une personne fixe immédiatement l'échelle du paysage et, dans le cas de l'astrophotographie, cela contribue à transmettre le sentiment d'émerveillement que suscite la vision de la Voie lactée ou des aurores boréales pour la première fois.

Séparation

La meilleure pratique pour créer une composition cohérente consiste à séparer les éléments autant que possible. En pratique, cela signifie qu'il faut attendre que les objets en mouvement soient placés de manière optimale. Nous connaissons tous les juxtapositions malheureuses de la tête et de l'abat-jour qui sont ridiculisées dans la photographie de portrait, mais attendre que cette voiture atteigne une meilleure position ou que cette personne entre dans une zone de lumière au lieu de se déplacer dans l'ombre peut faire la différence entre une composition ennuyeuse et une excellente composition.

Essayez de garder les éléments importants loin des bords du cadre. Cela a tendance à détourner l’œil de l’image et à le faire sortir du cadre. Pour des raisons similaires, si vous avez un objet en mouvement, essayez de le positionner de manière à ce qu’il ait une plus grande partie de son trajet à parcourir pendant qu’il se déplace dans le cadre. Cela encourage davantage les spéculations sur la voiture/personne/animal que s’ils sont sur le point de quitter le cadre. « Ce qui se passe ensuite » est généralement plus intéressant que ce qui s’est passé avant que la photo ne soit prise.

Géométrie

Les clichés inhabituels de motifs géométriques sont souvent intéressants. La juxtaposition des jambes des ouvriers qui pendent dans le paysage de précision du pont de Waterloo à Londres en est un bon exemple, mais les formes n'ont pas besoin d'être aussi précises que ces arches réalisées à la machine.

Prenez la photo en haut de l’article –

Il y a trois triangles à l'œuvre dans cette image, avec un quatrième grossièrement délimité par la zone ensoleillée au milieu du plan. Cela donne à l'image une énergie renforcée par le contraste et la couleur du ciel sur les fleurs d'amandier. J'aimerais me débarrasser de la barrière de sécurité gênante en bas à droite car elle n'ajoute rien au cadre, mais le recadrage empiéterait sur la pointe de l'un des triangles. Un travail qui nécessite un clonage minutieux ou le nouvel outil d'IA de Photoshop.

Post-traitement

Vous pouvez améliorer radicalement votre composition en post-traitement, et pas seulement en recadrant.

Recadrage

Utilisez le recadrage pour améliorer la composition, vous pouvez définir une ligne directrice provenant d'un coin du cadre ou positionner votre horizon le long de l'une des lignes horizontales trouvées dans la grille de la règle des tiers qui peut être superposée sur l'image dans Lightroom et PhotoLab.

Lors du recadrage, veillez à accroître l'intérêt de l'image. Il existe un concept en photographie de paysage qui consiste à équilibrer le poids des éléments de l'image, ce qui signifie qu'un élément fort à gauche doit être équilibré par un élément tout aussi fort à droite.

Couleur

L'utilisation de la couleur dans une image peut être radicalement modifiée en post-traitement, il suffit de prendre l'aspect orange et bleu canard pour s'en rendre compte. Nous évaluons la couleur par la teinte, la luminance et la saturation. La couleur peut accentuer les formes et les textures ou mettre en valeur un élément, comme la fumée ou l'eau.

La couleur peut également être utilisée pour accentuer la profondeur d'une image. Pensez en termes réalistes : dans tout paysage, le contraste a tendance à diminuer lorsque vous regardez au loin, donc un contraste élevé au loin n'est pas seulement anti-naturel, il a pour effet d'aplatir l'image ou de réduire la profondeur.

J'encourage tout le monde à s'éloigner des commandes globales et à se diriger vers les outils de sélection pour explorer la puissance de la couleur. Bien que les outils globaux puissent faire une différence spectaculaire sur une image, trop souvent, nous ne remarquons pas que la différence s'applique à l'ensemble de l'image, et pas seulement à l'élément que vous souhaitez affecter.

Le pinceau est votre ami lorsqu'il s'agit de manipuler le contraste, tout comme les masques de luminance dans Photoshop. Expérimentez avec le Outils HSL pour atténuer ou accentuer les couleurs dans une petite sélection ou plus largement. Ils fonctionnent de la même manière dans la plupart des applications de retouche photo.

Comment aborder la composition – Conclusion

L'idée centrale de cette pièce était de s'éloigner d'une approche « les règles d'abord » pour aller vers une approche plus libre, oserais-je dire cinématographique, centrée sur le placement des objets, en utilisant éventuellement les règles comme guides vers des compositions qui seront plus convaincantes pour le spectateur.

Dans le cas de la photographie de paysage, cela peut demander beaucoup de temps et de travail car les composants de la photographie sont généralement fixes, mais cela porte vraiment ses fruits. Pour la nature morte, vous êtes entièrement aux commandes, alors construisez vos éléments et n'oubliez pas votre éclairage, lentement et soigneusement. La photographie de rue ne se résume pas à réagir au moment présent, je privilégie l'approche qui fait venir le moment présent à moi - choisir un cadre et attendre, mais ce n'est que ma préférence - consultez mon article Photographie de rue réussie pour les introvertis!

Dites-moi si cet article vous a été utile dans les commentaires ci-dessous ; quelle est votre expérience ? Êtes-vous « guidé par les règles » ou plutôt anarchiste ?