So machen Sie bessere Fotos mit einer gemeinsamen visuellen Sprache

Eine gemeinsame visuelle Sprache

Die Prämisse dieses Artikels ist, dass das Verstehen und Aufnehmen visueller Muster Ihnen dabei hilft, eine gemeinsame visuelle Sprache zu entwickeln und bessere Fotos zu machen. Lassen Sie mich das erklären.

Als ich auf der Filmschule war, war ich frustriert über das, was ich als Zurückstellung technischer Fähigkeiten zugunsten der viel nebulöseren kreativen Elemente empfand. Offensichtlich war ich damit nicht allein, denn heute ist die Situation völlig umgekehrt. Verbringen Sie ein wenig Zeit auf YouTube und Sie werden feststellen, dass sich die meisten Videos zum Thema Fotografie ausschließlich auf die Technik konzentrieren und die wichtigste Frage von allen umgehen: „Warum machen wir uns Gedanken über …“ Focus Stacking (oder welche Technik auch immer angesprochen wird).

Die Wahrheit ist, dass uns alle Techniken der Welt nicht zu besseren Fotografen machen. Bilder, die den Betrachter fesseln, sind das Maß für „gute“ Bilder. Die Verwendung einer allgemein verständlichen Bildsprache hilft Ihnen per Definition dabei, bessere Fotos zu machen.

Meine eigene Erfahrung als Techniker, der sich ursprünglich für die kommerzielle und Produktfotografie interessierte, ist, dass die Technik in Bezug auf Produkte fotografieren ist so ziemlich das, wofür ich bezahlt werde. Der wahrgenommene Wert insbesondere bei Produktfotografien wird anhand von Verkäufen und Daten gemessen, die Amazon aus Millionen von Beispielen erstellt. (Wussten Sie zum Beispiel, dass die klassische Dreiviertel-Aufnahme eines Schuhs vor einem weißen Hintergrund oder im redaktionellen Stil in einem Kontext besser funktioniert, wenn sich die Ferse rechts in der Mitte des Hintergrunds und die Spitze vorne links befindet, als umgekehrt? Amazon hat die Daten, die das beweisen.)

Als ich meine Energien wieder auf die Landschaftsfotografie konzentrierte, wurde mir klar, dass mein kompositorischer Instinkt zwar oft in Ordnung war, ich aber nicht die Mittel hatte, um herauszufinden, warum. Und als ich mit anderen Fotografen sprach, wurde mir klar, dass ich nicht allein war. Viele Leute kommen nicht über die sogenannte Drittel-Regel und eine vage Vorstellung davon hinaus, was den Vordergrund und die Führungslinien angeht. Mir wurde klar, dass ich, wenn ich bessere Fotos machen wollte, meine Ausbildung an der Filmschule überdenken und mich erneut mit Themen befassen musste, deren Nutzen ich erbärmlich unterschätzt hatte.

In diesem Artikel möchte ich also über visuelle Sprache sprechen und argumentieren, dass das Verständnis visueller Sprache der absolute Schlüssel zur Erstellung interessanterer und abwechslungsreicherer Fotos ist.

Regeln

Eines der frustrierendsten Dinge, die ich über Kunst gehört habe, ist, dass Kreativität irgendwie mit dem Brechen von Regeln verbunden ist. Meine Generation hat sich tief in das Klischee des „Rebellen als kreatives Genie“ eingelebt. Wie in „Hendrix schrieb das Regelbuch neu“ oder „Miles Davis zerriss das Buch und erfand den Jazz neu“. Diese Formulierung der Debatte um Kreativität ist nicht hilfreich. Hendrix war ebenso ein Produkt des Blues wie Miles ein Produkt des Jazz war.

Beide Musiker erweiterten die Sprache ihrer gewählten Form, indem sie neue Kombinationen aus vorhandenen Bausteinen schufen und dabei neue Bausteine einführten, z. B. Feedback.

Im Kontext der Fotografie lässt sich die traurige Vorstellung, dass Regelverstöße automatisch Kreativität zum Vorschein bringen, leicht entlarven. Das einfache, gedankenlose Brechen von Regeln untergräbt die Fähigkeit des Betrachters, Bedeutungen abzuleiten, und kann zu visuellem Kauderwelsch führen. Das bewusste Vermeiden von Regeln geht am Thema vorbei und kommt meiner Meinung nach von der falschen Seite. Wir sollten uns in unserer Fotografie mit unseren eigenen Triebkräften verbinden, nicht mit denen anderer Leute. Don McCullins Landschaftsarbeiten veranschaulichen diese „Verbundenheit“. Sie sind stürmisch, grübelnd und gelegentlich erschreckend. Sie haben viel mit seiner Kriegsfotografie gemeinsam.

Ob wir uns dessen bewusst sind oder nicht, wir teilen eine visuelle Sprache mit unserem Publikum, diese basiert jedoch auf einer gemeinsam erlebten Kultur, auf allgemein verstandenen Mustern und nicht auf Regeln, und es ist die Kombination dieser Muster, die uns hilft, bessere Fotos zu machen.

Anstatt uns auf Regeln und die verblendete Vorstellung zu fixieren, wir dürften sie brechen, ohne darüber nachzudenken, was an ihre Stelle treten könnte, sollten wir uns lieber die Vorstellung zunutze machen, dass Dinge, die eine Bedeutung haben, in unterschiedlichen Kombinationen miteinander verbunden und vom Betrachter leicht „gelesen“ werden können.

Muster

Ich habe zum ersten Mal von Mustern gehört, als ich als Berater für ein IT-Unternehmen arbeitete. Es gibt ein Buch mit dem Titel „Die zeitlose Art des Bauens„“ von einem Stadtplaner, Christopher Alexander, der bahnbrechend war, weil er feststellte, dass wir uns in der Stadtplanung immer wieder mit denselben Problemen befassen. Seit der Römerzeit ist beispielsweise der Verkehr ein Problem. Alexander schlug vor, dass wir, anstatt bei jedem neuen Projekt das Rad neu zu erfinden, stattdessen abstrakte Muster definieren sollten, die eine Lösung für das Problem darstellen.

Dieses Buch wurde von Softwareentwicklern begeistert angenommen, um wiederverwendbare Muster zu erstellen, die die IT-Branche revolutionierten. Das Konzept der Muster taucht auch in der bildenden Kunst auf. Das Problem für den Fotografen lautet: „Wie ermöglichen wir es dem Betrachter, sich sinnvoll mit unseren Bildern auseinanderzusetzen?“ Darauf gibt es natürlich viele Antworten. Wir können Motive verwenden, die den Betrachter zur Unterwerfung zwingen, aber hier geht es eher um Verführung als um Aufmerksamkeitssuche. Es geht darum, ein paar lohnende Sekunden Zeit zum Betrachten eines Bildes zu bieten, anstatt eine Schockbehandlung durchzuführen. Indem wir uns mit visueller Sprache beschäftigen, können wir jedes Bild interessanter machen.

Was also sind diese Muster in der Fotografie?

Ein Muster ist eine Abstraktion, die eine reproduzierbare Komponente darstellt, die in vielen verschiedenen Kunstformen erkannt werden kann. Ein Blues mit zwölf Takten, ein Absatz. Ein Buch ist in abstrakter Form einfach eine Kombination aus Wörtern, Absätzen und Kapiteln. Wörter haben eine allgemein verständliche Bedeutung, frische Kombinationen führen Nuancen ein und bilden Absätze.

In der visuellen Sprache sind die Muster Dinge, die wir alle erkennen. Ich würde vorschlagen, dass die folgenden in der Fotografie eine besondere Resonanz finden:

Visuelle Komponenten

• Rahmen
• Führende Linien
• Kontrast
• Skala
• Negativer Raum
• Gleichgewicht
• Diagonalen

Darüber hinaus würde ich ein paar Komponenten hinzufügen, die wirklich schwere Arbeit leisten. Dabei handelt es sich eher um Absätze als um Wörter.

• Farbtheorie
• Zusammensetzung
• Visuelle Hierarchien

Wenn ein Schnappschuss die grundlegendste Form der Fotografie ist, eine Aufzeichnung dessen, was sich vor der Kamera befindet, wird das Bild durch die Einbeziehung dieser visuellen Komponenten interessanter und hilft uns, bessere Fotos zu machen. Aufbauend auf diesem Gedanken wird die Einbeziehung einer Kombination dieser Komponenten zu faszinierenderen Fotos führen, die den Betrachter dazu anregen, eine Weile zu verweilen. In einer Welt, in der Bilder nicht gerade Mangelware sind, muss das eine gute Sache sein!

Beispiele für visuelle Komponenten

Rahmen

Rahmen sind eine Technik, bei der das Motiv in einem Rahmen innerhalb des Fotos platziert wird. Diese Rahmen können rechteckig sein, beispielsweise Türen, Fenster oder einfach umgebende Elemente in der Natur, beispielsweise Äste, Sträucher und Bäume.

Führende Linien

Führungslinien sind Elemente, die dorthin „zeigen“, wo der Fotograf den Blick des Betrachters ruhen lassen möchte. Sie können wörtlich sein, wie beispielsweise Flüsse, Straßen, Wege und Eisenbahnschienen, oder abstraktere Merkmale wie Farben und sogar Texturen.

Kontrast

Kontrast entsteht zwischen benachbarten Elementen. Farbkombinationen, die in der Natur häufig vorkommen, gelten als komplementär, wenn sie auf gegenüberliegenden Seiten des Farbkreises liegen. Zum Beispiel Blaugrün und Orange.

Skala

Die Berücksichtigung von Maßstäben in der Landschaftsfotografie ist eine großartige Möglichkeit, um beispielsweise die Weite einer Landschaft zu vermitteln. Diese wird nicht immer deutlich, wenn auf dem Bild nichts zu sehen ist, das wir identifizieren und dessen tatsächliche Größe wir kennen. Vielleicht ein Vogel, ein Auto oder eine Person.

Negativer Raum

Negativer Raum ist ein Bereich im Bild, der den Blick des Betrachters sehr effektiv auf das Motiv des Fotos lenkt und als erzählendes Element dazu beiträgt, dass das Foto etwas erzählt und nicht etwas zeigt. Beispiele sind Himmel und leere Vordergründe.

Gleichgewicht

Balance führt das Konzept der visuellen Gewichtung eines Bildes ein. Sobald wir uns von der Komposition „Motiv in der Mitte“ entfernen, müssen wir die Elemente so anordnen, dass das Foto ausgewogen ist.

Diagonalen

Diagonalen verleihen einer Komposition Energie und wenn die Wahl zwischen geradeaus oder diagonal besteht, entscheide ich mich fast immer für diagonal. Dieses Bild nutzt auch Maßstab und Kontrast, um ein ausdrucksstarkes Bild zu schaffen.

Visuelle „Absätze“

Wenn die einzelnen Bausteine Wörter sind, dann sind die folgenden Absätze.

Farbtheorie

Jedes dieser drei Themen ist einen ausführlichen Beitrag wert. Und ich habe einen geschrieben! Erstellen Sie einen visuellen Stil mithilfe der Farbtheorie – Die Farbtheorie ist die Wissenschaft der Farbkombinationen. In der Fotografie basiert sie auf RGB und ist ein additiver Farbprozess. Lassen Sie mich das erklären: Die Abwesenheit von Licht ist schwarz. Wenn ich in einem dunklen Raum ein rotes Licht einschalte, erhalte ich reines Rot. Wenn ich verschiedene Grün- und Blautöne hinzufüge, erhalte ich unterschiedliche Farben. Wenn ich die gleiche Menge an rotem, grünem und blauem Licht hinzufüge, erhalte ich Weiß.

Zusammensetzung

Komposition ist die Kunst, Elemente in einem Foto so anzuordnen, dass sie für den Betrachter attraktiv sind und eine Geschichte über das Motiv erzählen. Ich habe einen Artikel geschrieben, der sich auf die Anordnung von Elementen konzentriert und den Titel trägt: Wie man kreativ an die Komposition herangeht.

Visuelle Hierarchien

Eine visuelle Hierarchie beschreibt buchstäblich die relative Wichtigkeit von Elementen in einem Foto. Wenn ein Element keine Bedeutung hat, kann es entfernt werden, da es von der Absicht des Fotografen ablenkt und den Betrachter höchstwahrscheinlich ablenkt. Dies ist sehr nützlich, wenn Sie eine Aufnahme komponieren oder bearbeiten.

So entwickeln Sie ein Verständnis für visuelle Komponenten

Das Endziel all dessen ist, den Prozess unbewusst statt bewusst zu machen. Das hat viel damit zu tun, Entwickeln Sie Ihr fotografisches Auge. Der einzige Weg, dies zu tun, ist zu üben. Wenn Sie beispielsweise eine Woche damit verbringen, Bilder aufzunehmen, kann ich Ihnen garantieren, dass Sie überall Bilder sehen und Möglichkeiten erkennen, diese in Ihrer Fotografie zu verwenden. Hier sind sieben Bausteine aufgeführt, von denen jeder problemlos als einwöchiges Projekt verwendet werden kann und der Ihnen dabei hilft, bessere Fotos zu machen.

Zusammenfassung

Muster oder visuelle Komponenten lassen sich zu spannenderen und ansprechenderen Fotos kombinieren. Das liegt daran, dass wir alle unser ganzes Leben lang die gleichen Botschaften aus den Medien aufgenommen haben. Manche von uns können es nicht in Worte fassen, aber es äußert sich in dem Gefühl, dass ein Bild, das diese Muster verwendet oder kombiniert, interessanter ist als eines, das dies nicht tut. Das ist der Unterschied zwischen einem Schnappschuss und einem Kunstwerk.

Durch die Verwendung von Mustern wird Ihre Fotografie aufgewertet und für andere verständlicher. Der schnellste Weg, ein Publikum aufzubauen, besteht darin, eindrucksvolle Fotos zu erstellen, die Geschichten erzählen. Die Geschichte muss nicht komplex sein, aber sie muss wohlüberlegt sein.